Top 12 Cele mai bune filme SF

 

 S-au lansat multe filme SF in 2022. Nu numai că Avatar: The Way of Water este SF, ci însăși creația sa pare SF. Este ca și cum am inventat nenumărate lucruri doar încercând să ajungem pe Lună. Dar, în afară de isprava tehnologică de producție a lui James Cameron, science fiction a revenit pe ritmul multiversului. 

Unul dintre cele mai mari filme ale anului a fost un indie care prezenta un univers cu pietre vorbitoare. Un altul a făcut ceva asemănător... doar cu Beavis și Butt-Head. Un altul era o creatură bogată în trăsături, cu referiri la lumini și camere – acțiune! 

Pe măsură ce aceste filme au devenit mari și s-au adăugat în horror, comedie, acțiune și melodramă, a fost în intrările mai mici unde pasionații de SF și-au putut găsi alinare în ezoterism (un bastion al tocilarului SF, dacă a existat vreodată).

DUAL 

În Dual, toată lumea vorbește ca și cum ar fi un robot. Poate că asta se datorează faptului că doresc să integreze mai bine în lume noii Înlocuitori, clone formate din oameni bolnavi în faza terminală sau, altfel, în curs de ieșire. Poate se datorează faptului că livrarea ar trebui să fie la fel de uscată, ciudată și câștigătoare ca și SF în sine.

 Lumea Dual-ului este viitorul apropiat, sau prezentul adiacent, dar într-o altă dimensiune. Chat-ul său video este asemănător Zoom, dar trimiterea de mesaje text are mai mult o estetică de codare. 

Monovolumele sale încă funcționează cu benzină, dar puteți face o clonă din scuipat într-o oră. Oamenii săi încă iubesc televiziunea de realitate violentă, dar emisiunile sale implică uneori lupte până la moarte mandatate de guvern între oameni care descoperă că nu mai mor și înlocuitorii lor.

NOPE 

Printre cele mai amuzante ciudățenii ale sale de regizor, Jordan Peele apreciază melodrama unei citate biblice bune: vehiculul doppelgänger ucigaș din 2019, Us invocă neobosit Ieremia 11:11 și cel mai recent efort al său. să te facă ticălos și să te facă un spectacol.” Este acea ultimă clauză care perfuzează Nope, o fire perspicace și tactilă despre un duo de fermieri frați-sori în căutarea dovezilor video ale unui OZN care le înconjoară casa. 

Deși Peele înghinește în mod obișnuit mașina de la Hollywood și ochelarii ei, aici el descarcă totul: crearea de imagini ca brutalitate, catharsis, posteritate, supraveghere, omagiu, îngăduință. La șase luni după ce un accident ciudat a ucis tatăl lor, frații OJ (Daniel Kaluuya) și Emerald Haywood (Keke Palmer) au preluat „Haywood’s Hollywood Horses”, afacerea intergenerațională a Agua Dulce, specializată în showbiz-ul ecvin.

AVATAR: THE WAY OF WATER 

Avatar: Calea apei este o promisiune – la fel Calea titulară, așa cum este descrisă de o prințesă beatifică și înotată a oamenilor de pește Na’vi, filmul conectează toate lucrurile: trecutul și viitorul; cinematograful ca ideal generațional și realitate de box office care unește lumea într-un film; Megalomania lui James Cameron și justificarea lui pentru Being Like That; un membru al publicului și un alt membru al publicului de cealaltă parte a lumii; un clișeu arhetipal și altul clișeu arhetipal; visele și viața de veghe. 

Continuarea lui Avatar nu poate fi nimic mai puțin decât o livrare a tot ceea ce a spus Cameron, hiperbolic sau nu, ar livra el. Ceea ce este mai puțin clar este exact ceea ce intenționează să ofere Cameron. Povestea Calea Apei este o lecție simplă în a atrage pe cât mai multe piețe din întreaga lume, continuarea aventurilor Bostonianului Jake Sully (Sam Worthington, care și-a petrecut ultimul deceniu încercând să nu sune ca un curățător de coșuri) în timp ce el crește o familie Na'vi cu Neytiri (Zoe Saldaña, țipând din interiorul închisorii ei de aur) și își dă seama că pământenii nu vor înceta să colonizeze Pandora doar pentru că le-au fost bătuți cu piciorul în urmă cu o viață. Adevărata realizare a Calea Apei este că nu arată ca nimic altceva decât primul Avatar, fără egal în detaliu și amploare, o întreprindere devorantă în sine.

CRIMES OF THE FUTURE

Împărtășind un titlu cu cel de-al doilea film al lui Cronenberg, cel mai recent din autorul body horror este o întoarcere la (de)formă după două decenii de dramă mai retrasă. Săpând în măruntaiele suculente ale lumii artei și suturând-o ca un noir SF convingător și ambițios, Crimes of the Future emotionează, chiar dacă lasă câteva instrumente narative rătăcite cusute în cavitățile sale cicatrici. 

Crimele visătoare și experimentale ale viitorului (1970) vede dezvoltarea cancerelor creative într-o lume fără femei, devastată de viruși. Noi organe sunt create (și uneori adorate) într-o societate distrusă condusă acum de fetiști și care se îndreaptă spre un răspuns biologic îngrozitor, blestemat. 

În timp ce refacerea lui Cronenberg din 2022 cu privire la subiectul noutății organice într-o societate în colaps nu este o refacere în niciun fel al noului carne, ea se adresează acelorași interese de companie care i-au umplut filmele încă de la început. Din fericire, face acest lucru cu un nou succes subtextual și un text mult mai simplu și mai accesibil (în ciuda nudității frontale și a autopsiilor grafice). Spre deosebire de lucrările timpurii ale lui Cronenberg, acest film are culoare, sunet diegetic și vedete de film. Acesta îmbrățișează ritmul dramatic tradițional și își completează perversia cu efecte de ultimă oră. 

PREY

Prequelul Predator al regizorului Dan Trachtenberg, Prey, reușește îndrăznind să îmbrățișeze ceea ce nu au făcut continuarea anterioare: Simplitatea. Elementele de bază ale cinematografiei Predator se rezumă la trofeele craniului și luptele rivale, dar mai ales la fiorul unei vânătoare neîntrerupte. 

Cu o ușurință brutală, scriitorul Patrick Aison traduce codurile Predator în dihotomii vânători-culegători din culturile native americane. Nu există nimic mai înfricoșător decât legile ierarhiilor naturale expuse în formele lor cele mai elementare și asta este ceea ce Prey recunoaște cu o privire amenințătoare. Trachtenberg înțelege la ce tânjesc fanii Predator și execută fără milă. 

Amplasat în Marele Câmpii Nordice din 1719, Prey pune un Predator care provoacă alfa oricărei specii - lupi, urși, oameni - împotriva unui trib Comanche. Taabe (Dakota Beavers) conduce alți băieți la vânătoare, în timp ce sora lui Naru (Amber Midthunder) își exersează cele mai mortale abilități în secret. Ea este respinsă de majoritatea pentru sexul ei, dar nu de Taabe. Șansa Narui de a învinge un leu (mulțumită lui Taabe) și de a câștiga ritul de trecere al războinicului ei eșuează atunci când tehnologia extraterestră a unui Predator distrage atenția de la distanță, ceea ce nimeni nu crede. 

EVERTYTHING EVERYWHERE ALL AT ONCE 

Everything Everywhere All At Once o urmărește pe Evelyn Wang (Michelle Yeoh), o proprietară obosită, de vârstă mijlocie, de spălătorie, care poate fi sau nu implicată într-o fraudă fiscală minoră. Viața ei plictisitoare, repetitivă, este aruncată într-un pandemoniu total, totuși, atunci când soțul ei, Waymond (Ke Huy Quan) – sau cel puțin o versiune a lui – o alertează despre existența multiversului în timpul călătoriei cu liftul către o întâlnire cu IRS. 

Apoi explică că un răufăcător puternic pe nume Jobu Tupaki este în proces de a construi o forță care distruge universul pe care numai Evelyn are capacitatea de a o opri. Și astfel Evelyn se aruncă fără tragere de inimă în multivers. Fapte: Există un număr infinit de universuri care există simultan, conținând aproape orice ți-ai putea imagina. 

Regulile: Pentru a dobândi abilități diferite, trebuie să-ți imaginezi un univers în care locuiești acea abilitate, fie că este vorba de degete mici inuman de puternice sau de o măiestrie a luptei cu cuțitul. (Dacă vă puteți gândi, există.) Ceea ce urmează sunt, deci, aproximativ 140 de minute frenetice pline până la refuz cu știință densă și complexă, scene colorate și scene care parcă au fost și ele scoase direct din vise. abstract pentru a descrie.

AFTER YANG 

În After Yang, filmul narativ al doilea de la Kogonada, un eseist video devenit realizator de film, in viitorul apropiat se mândrește cu o familiaritate care este atât reconfortantă, cât și neliniştitoare. Ideea că omenirea continuă să prospere în ciuda amenințării unui dezastru cataclismic iminent oferă cu siguranță mângâiere, dar această alternativă aparent idealistă se dovedește a avea propriile eșecuri distincte. 

În această cronologie, îngrijirea copiilor este practic predată unei clase de muncitori „tehno-sapien”, achiziționați ca bone programabile pentru copii. Deși poate șerpui uneori, After Yang – bazat pe nuvela lui Alexander Weinstein „Saying Goodbye to Yang” – este întotdeauna inteligent din punct de vedere emoțional și prevăzător, arătând înclinația lui Kogonada pentru povestirea rară, chiar dacă liniile narative nu sunt întotdeauna la fel de pline de satisfacții precum splendorile estetice ale filmului.

 

Ni se face cunoștință cu o astfel de viitoare familie, poate în cel mai distractiv mod posibil. Cartea de titlu a filmului apare în timpul unei competiții virtuale de dans, cu familii din întreaga lume concurând prin coregrafie sincronizată.

NEPTUNE FROST 

Neptune Frost este un film puternic, curat și digerabil, în timp ce traficează cu metafore și desfășoară poezie și filozofie. Regizat de Anisia Uzeyman (o actriță și dramaturgă ruandeză care a regizat și fotografia) și Saul Williams (un muzician și artist multimedia american care a scris și scenariul), Neptune Frost este foarte muzical, fără a fi niciodată epuizant. Este clar în tezele sale, cerând echitate și decență pentru lucrători, pentru cetățenii din Sudul Global în general și pentru Rwanda în special, și pentru africanii intersexuali și queer supuși discriminării și marginalizării născute din aceleași tradiții coloniale care fură națiunile de averea lor. 

Este filmat elegant și se implică în tradițiile științifico-fantastice și cu realismul magic anticolonial pentru a încadra o estetică afrofuturistă alternativ dură și ornamentată. A numi arta Neptune Frost cu un scop se simte ca și cum o blestești la grămada de lucruri care sunt „bune” pentru că sunt „importante”. 

Neptune Frost este valoros datorită modului creativ și organic în care își transmite mesajele: pune sub semnul întrebării moștenirile coloniale și cere schimbare printr-un scenariu muzical emoționant, afișând în același timp imagini speculative care necesită imaginația publicului, precum și globul ocular.

SOMETHING IN THE DIRT 

Urmăriți online pentru orice perioadă de timp și, inevitabil, veți da peste un colț ciudat care promovează o ciudățenie sau alta. Chiar dacă promiți doar să urmărești prietenii pe rețelele de socializare, să citești surse de încredere, să eviți toate meme-urile, cu excepția celor mai sănătoase, ciudățenia – și cei care o fac să câștige bani – te vor găsi. Acest lucru ar putea lua forma unui algoritm care recomandă niște prostii după ce ați căutat o rețetă de pâine plate sau a unui mesaj LinkedIn aleatoriu de la un coleg pe jumătate amintit, care a căzut în ceva care nu se numește un cult, dar evită, făcând asta aproape în mod evident. 

Și asta nici măcar nu se atinge de QAnon, de negați COVID sau de History Channel. Conspirația cu majuscule ne înconjoară. Jumătate simulat-doc, jumătate SF în două mâini, toată satira L.A. uscată, Something in the Dirt aruncă o privire uluită asupra celor prea fericiți să exploateze fenomene și unii pe alții – cu farmecul tipic la scară mică al unui Aaron Proiectul Moorhead și Justin Benson. 

Aprofundându-se în propriile lor cariere de bricolaj, realizatorii de film Moorhead și Benson îl interpretează pe John, un fotograf de nuntă religioasă, și pe Levi, noul său vecin barman, care decid să facă un documentar împreună după ce au văzut un pic ciudat de inexplicabil plutind și strălucind în apartamentul acestuia din urmă.

BLACK PANTHER: WAKANDA FOREVER 

Black Panther: Wakanda Forever se laudă cu același regizor în Ryan Coogler (și cu aceeași echipă de scriitori formată din Coogler și Joe Robert Cole), care au creat din nou o poveste ale cărei conflicte și arcuri de caractere merg mai adânc decât tariful mediu MCU. De aceeași importanță, Wakanda Forever prezintă din nou talentele câștigătoare de Oscar ale lui Hannah Beachler (design de producție) și Ruth E. Carter (design de costume). 

Wakanda rămâne un peisaj urban afrofuturist viu realizat (chiar și în doliu), iar cel mai nou regat al MCU, Talokan, deși mult mai puțin strălucitor decât Atlantida lui James Wan în Aquaman, se simte la fel de real și minunat precum ar trebui un tărâm subacvatic fictiv aztec/maya. 

Distribuția este în mare parte aceeași, cu antagonistul de furt de scenă al lui Michael B. Jordan, Erik Killmonger, înlocuit de anti-eroul la fel de convingător și inteligent reimaginat al lui Tenoch Huerta, Namor (care este mult mai parte integrantă a Marvel Comics - și probabil MCU - decât Killmonger). Dar cât de puternică este pierderea conținută în acel cuvânt – „în mare parte”.

BEYOND THE INFINITE TWO MINUTES 

Trucul SF de 71 de minute, fără buget, al lui Junta Yamaguchi, Beyond the Infinite Two Minutes, se desfășoară ca și cum ai viziona un joc cu punct și clic, Let’s Play. Elementele și personajele din jurul unei cafenele sunt folosite pentru a influența (sau moștenesc impactul din utilitatea lor inevitabilă?) o întârziere temporală pe care o descoperă un ticălos (Kazunari Tosa). 

Un ecran la etaj arată ce se va întâmpla două minute în viitor, din perspectiva unui ecran de jos. Logica nu este atât de importantă; este o altă rasă de mumblecore decât Primer și mai bună pentru el. 

Plin de leneși proști care încearcă să înțeleagă îngâmfarea centrală și inteligentă și plin de idei și mai stupide despre ce să facă cu ea, Beyond the Infinite Two Minutes are nuanțe de One Cut of the Dead: construcția falsă dintr-o singură pistă, dedicată distribuției mici. energie, simțul umorului inept și aproape prostesc. Dar nici măcar nu este la fel de șmecher ca acel film de groază, deznădejdea crescând asupra ta pe măsură ce intriga începe să răzbată și să-și împingă propria premisă.

STRAWBERRY MANSION 

Logica intangibilă a minții noastre subconștiente este cea care alimentează Strawberry Mansion, o excursie amețită și visătoare prin reverie nostalgică și anxietăți existențiale. Co-regiat de Albert Bimey și Kentucker Audley (care joacă și ele), filmul este un exercițiu de creare a unui peisaj de vis prin capturarea texturii - o întreprindere care face ca rezultat imagini captivante, superbe și neliniştitoare. 

Strawberry Mansion nu numai că este o adevărată sărbătoare pentru ochi, dar și intriga sa este mult mai coerentă și mai calculată decât la care își doresc majoritatea narațiunilor de vis. Acest lucru asigură că niciunul dintre spectatori nu cade în propriul somn indus de film, servind, de asemenea, ca o binefacere pentru etosul proiectului - unul care ne îndeamnă cu disperare să acordăm o atenție deosebită detaliilor și potențialelor semnificații ale viselor noastre, așa cum ar putea fi ele. chiar cheia supraviețuirii noastre. 

Amplasat într-un viitor nu atât de îndepărtat, Strawberry Mansion îl urmărește pe James Preble (Audley), un auditor care lucrează pentru o agenție guvernamentală care reglementează „taxele de vis”, un rezultat al reclamelor proiectate în cele mai intime momente mentale ale noastre. Când ajunge într-o locuință victoriană întinsă, cu un exterior magenta, crede că pur și simplu face o vizită de rutină la domiciliu pentru a rezolva taxele neachitate.

Sursa foto: pastemagazine.com  slashfilm.com